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"Quadro di Ay Mohsen realizzato ad Olio con pennello. Il titolo è Il vizio e rientra nella categoria La vita e l'arte. In Il Vizio Mohsen Abdel realizza un’opera di forte impatto emotivo e simbolico, capace di parlare direttamente alla coscienza dell’osservatore. La scena è ambientata in un contesto urbano notturno: un bambino piange seduto su un marciapiede, accovacciato accanto a un lampione, figura fragile e silenziosa che diventa il fulcro morale del dipinto. In primo piano compaiono le gambe di una donna con stivali bianchi e minigonna, presenza anonima e frammentata che allude al mondo degli adulti, al vizio e all’indifferenza. Sul fondo emergono elementi fortemente simbolici: un bicchiere, delle labbra, degli occhi e una candela accesa. Quest’ultima illumina tre sfere luminose, chiaro riferimento alla speranza, alla carità, alla generosità e alla provvidenza divina, in netto contrasto con il degrado morale della scena. La luce diventa così metafora di redenzione e possibilità, anche nei contesti più oscuri. L’opera trae ispirazione da un episodio reale vissuto dall’artista durante la sua esperienza parigina: l’incontro con un bambino trascurato dalla madre, più attratta dalla vita notturna che dal ruolo genitoriale. Questo racconto si intreccia con la biografia di Mohsen Abdel stesso, che a soli sedici anni andò a vivere da solo, trovando sostegno umano e affettivo proprio in quelle figure femminili marginali che la società spesso giudica senza comprendere. Il dipinto diventa quindi una riflessione profonda sul confine sottile tra vizio e umanità, condanna morale e compassione. La luce, prevalentemente artificiale e notturna, è utilizzata come strumento compositivo per separare i piani e sottolineare le gerarchie visive. Il lampione definisce l’area del bambino, mentre le zone circostanti rimangono immerse in una penombra compatta. La gamma cromatica è dominata da toni scuri e freddi, interrotti da accenti luminosi e cromatici puntuali che concentrano l’attenzione sugli elementi chiave. Dal punto di vista tecnico, l’opera presenta una stesura pittorica controllata, con un uso del pennello che alterna superfici levigate a passaggi più morbidi e sfumati. La resa dei materiali — tessuti, pelle, superfici urbane e luce artificiale — è ottenuta attraverso variazioni tonali e una gestione misurata della materia pittorica, funzionale alla chiarezza narrativa dell’immagine. La cornice, dotata di passepartout e finitura dorata con decorazione classica, delimita lo spazio dell’opera e ne rafforza la struttura visiva, creando una separazione netta tra la scena rappresentata e l’ambiente esterno, e contribuendo alla lettura dell’immagine come unità autonoma e compiuta."

Le Vice

Année 1979
Technique Huile au pinceau
Dimensions 50 × 70 cm
Statut Non disponible à la vente

Le Vice d’Aly Mohsen Abdel aborde le thème de la fragilité morale et de l’indifférence des adultes. Dans une scène urbaine nocturne, un enfant pleure sous un lampadaire tandis que des figures fragmentées et des symboles du vice émergent de l’ombre. La lumière de la bougie devient un signe d’espérance et de rédemption, transformant le tableau en une réflexion profonde sur la frontière entre culpabilité, compassion et humanité.

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Description

Dans Le Vice, Mohsen Abdel réalise une œuvre d’une grande intensité émotionnelle et symbolique, capable de s’adresser directement à la conscience du spectateur. La scène se déroule dans un environnement urbain nocturne : un enfant en pleurs est assis sur un trottoir, recroquevillé au pied d’un lampadaire. Figure fragile et silencieuse, il devient le centre moral du tableau. Au premier plan apparaissent les jambes d’une femme portant des bottes blanches et une minijupe, présence anonyme et fragmentée qui évoque le monde des adultes, le vice et l’indifférence.

À l’arrière-plan se distinguent plusieurs éléments fortement symboliques : un verre, des lèvres, des yeux et une bougie allumée. Cette dernière éclaire trois sphères lumineuses, référence évidente à l’espérance, à la charité, à la générosité et à la providence divine, en contraste direct avec la dégradation morale suggérée par la scène. La lumière devient ainsi une métaphore de la rédemption et de la possibilité du salut, même dans les contextes les plus sombres.

L’œuvre s’inspire d’un épisode réel vécu par l’artiste durant son séjour à Paris : la rencontre avec un enfant négligé par sa mère, davantage attirée par la vie nocturne que par ses responsabilités parentales. Ce récit se mêle à la propre biographie de Mohsen Abdel qui, à seulement seize ans, partit vivre seul et trouva un soutien humain et affectif précisément auprès de ces figures féminines marginalisées que la société juge souvent sans chercher à les comprendre. Le tableau devient ainsi une réflexion profonde sur la frontière ténue entre le vice et l’humanité, entre condamnation morale et compassion.

La lumière, essentiellement artificielle et nocturne, est utilisée comme un outil de composition permettant de distinguer les différents plans et de souligner les hiérarchies visuelles. Le lampadaire délimite l’espace de l’enfant, tandis que les zones environnantes demeurent plongées dans une pénombre dense. La palette chromatique est dominée par des tons sombres et froids, ponctués d’accents lumineux et colorés qui concentrent l’attention sur les éléments essentiels.

D’un point de vue technique, l’œuvre présente une exécution picturale maîtrisée, où l’usage du pinceau alterne entre surfaces lisses et passages plus souples et nuancés. Le rendu des matériaux – tissus, peau, surfaces urbaines et lumière artificielle – repose sur des variations tonales et sur une gestion mesurée de la matière picturale, au service de la clarté narrative de l’image.

Le cadre, doté d’un passe-partout et d’une finition dorée ornée de motifs classiques, délimite l’espace de l’œuvre et renforce sa structure visuelle. Il crée une séparation nette entre la scène représentée et l’environnement extérieur, contribuant à la perception de l’image comme un ensemble autonome et achevé.

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